¡Pasen y vean: los museos ya han abierto!

Museo Guggenheim (Bilbao): "Olafur Eliasson. En la vida real".

En la vida real, la exposición que se inauguró en febrero en el museo Guggenheim de Bilbao estuvo hasta el 5 de enero en la Tate Modern de Londres. Treinta obras, entre esculturas, fotografías, pinturas e instalaciones, que juegan con reflejos y colores. En las cautivadoras instalaciones de Olafur Eliasson, el visitante es consciente de la existencia de sus sentidos, de la gente que le rodea y de todo lo que queda más allá, afuera, en el mundo. Algunas de estas obras de arte introducen fenómenos naturales –como un arco iris– en el espacio museístico. Otras usan reflejos y sombras para jugar con el modo en que percibimos e interactuamos con el mundo. Muchos trabajos son el resultado de la investigación del artista danés sobre geometría compleja, patrones de movimiento o su interés en la teoría del color.

Tabakalera (San Sebastián): "Cybernetics of the Poor: tutoriales, ejercicios y partituras".

El 6 de marzo, apenas una semana antes de declararse el estado de alarma, se inaguraba en Tabakalera, el Centro Internacional de Cultura Contemporánea de San Sebastián, la exposición Cybernetics of the Poor: tutoriales, ejercicios y partituras. La exposición incluye 28 obras o instalaciones –algunas recientes y otras, como Registro FD-11472 de Jorge Oteiza, con varias décadas de historia a su espalda– de un total de 24 artistas, unidas por el nexo común de intentar responder a una pregunta: ¿Qué podemos hacer ante la cibernética económica y política de la que no podemos escapar?

Según el crítico cultural Diedrich Diederichsen, uno de los dos comisarios de la exposición, los autores buscan «subvertir» el sistema, mientras que su compañero Oier Etxeberria –co-comisario y responsable del área de Exposiciones, Espacio de creadores y Programas públicos del centro donostiarra–, explica que la nueva exposición es «una conversación entre lo local y lo internacional», en la que se pueden ver obras de artistas como Don Van Vliet, Cornelius Cardew, Anthony Braxton, Elena Asins, Hanne Darboven, Edgar Degas, Jörg Schlick, Peter Roehr, Douglas Huebler, Heinrich Riebesehl, Mike Kelley, Guy de Cointet o Jon Mikel Euba.

Centro Botín (Santander): "Coleccionando procesos. 25 años de Itinerarios".

El 12 de octubre del pasado año, el Centro Botín de Santander inauguró la exposición 25 años de Itinerarios: coleccionando procesos, con la que se conmemoraba el cuarto de siglo de su muestra Itinerarios, en la que anualmente se pueden ver los trabajos de los artistas que han disfrutado de una de las Becas de Artes Plásticas de la Fundación Botín.

En la exposición del vigésimo quinto aniversario, abierta hasta el 8 de noviembre, se puede ver una cuidada selección de veinticinco artistas consagrados, antiguos beneficiarios de estas ayudas, entre los que figuran Lara Almarcegui, Basma Alsharif, Leonor Antunes, Javier Arce, Erick Beltrán, David Bestué, Bleda y Rosa, Nuno Cera, Patricia Dauder, Patricia Esquivias, Karlos Gil, Carlos Irijalba, Adrià Julià, Juan López, Rogelio López Cuenca, Renata Lucas, Mateo Maté, Jorge Méndez Blake, Regina de Miguel, Leticia Ramos, Fernando Sánchez Castillo, Teresa Solar Abboud, Leonor Serrano Rivas, Jorge Yergui y David Zink-Yi. Muchas de las obras expuestas pertenecen a una etapa temprana en las respectivas trayectorias de sus autores, por lo que parte de su interés reside en la forma en que han podido anticipar procesos de investigación que son sumamente relevantes hoy en día.

Centro Niemeyer (Avilés): "Nadia Lee Cohen > Not a retrospective".

El Centro Niemeyer recupera su actividad cultural presencial con las exposiciones que estaban abiertas en el momento de la declaración del estado de alarma: Picasso. Grabados eternos, en la Cúpula, y Not a retrospective, de la joven fotógrafa británica Nadia Lee Cohen, en la Sala de Fotografía. Los grabados del malagueño se podrán ver hasta el 30 de agosto mientras que las fotografías de la británica permanecerán expuestas hasta el día 16 de ese mismo mes. Nadia Lee Cohen se muestra, en el centenar de fotografías que se exponen, fascinada por la Americana, el suburbio y la conformista vida en esas zonas residenciales. Influida por la fotógrafa estadounidense Cindy Sherman y la fotografía de moda, Not a Retrospective ofrece una selección de obras protagonizadas íntegramente por «mujeres rotundas, mostradas en su máxima plenitud, desnudas tanto física como psicológicamente por la mirada perturbadora que tienen», tal y como los explica Mario Martín Pareja, comisario de la exposición, que ya estuvo hace un año en La Térmica de Málaga.

MACBA (Barcelona): "Takis".

Panayiotis Vassilakis, conocido artísticamente como Takis, era un artista griego conocido por sus esculturas cinéticas. Takis falleció el pasado mes de agosto, apenas cinco semanas después de que la Tate Modern le dedicara una amplia exposición en la que le definía como «escultor del magnetismo, la luz y el sonido». Esa muestra estuvo abierta en Londres hasta octubre y, seguidamente, el MACBA tomo en noviembre el testigo, y ha prorrogado la exposición debido al cierre planteado por el estado de alarma.

Takis trabajó, fundamentalmente, con el electromagnetismo, haciendo visible lo invisible, lo que él definía como «puro pensamiento». En la sorprendente exposición vemos imanes que mantienen agujas en suspensión, «venciendo» la gravedad, o luces que se encienden y apagan según los campos energéticos que nos rodean.

CCCB (Barcelona): "Gameplay. Cultura del videojuego".

¿Forman parte los videojuegos de la Cultura con mayúscula? ¿Podemos considerarlos arte? Según el Centro de Arte y Medios Tecnológicos de Karlsruhe, el ZKM (Zentrum für Kunst und Medien) de la ciudad del suroeste de Alemania, sí, según se desprende de la importancia de su exposición zkm_gameplay. the next level, inaugurada el 29 de septiembre de 2018 y que va camino de convertirse en muestra permanente, puesto que ya figura programada en el museo hasta el 30 de enero de 2022.

El CCCB inauguró el pasado mes de diciembre una exposición adaptada y ampliada de la muestra de Karlsruhe, planteando un recorrido por la historia del medio, el lenguaje del videojuego, la experimentación y la innovación artística y los videojuegos políticos y críticos, con más de cuarenta puntos audiovisuales, documentos, máquinas históricas, creaciones indie recientes, proyectos de investigación locales, y una decena de instalaciones de artistas internacionales como Mary Flanagan, Joan Leandre, Harun Farocki, Lawrence Lek, LaTurbo Avedon, Mónica Rikić y Blast Theory, entre otros.

El hecho de que los juegos informáticos o electrónicos se hayan convertido en un medio líder ya no es un idea aventurada sobre la importancia de los medios interactivos y multimedia. Se han alejado de sus orígenes como experimentos de laboratorio o juguetes y se han convertido en «el» medio de la sociedad digital, entre la cultura pop, el entretenimiento y el arte.

Fundación Antoni Tàpies (Barcelona): "Tàpies. El ácido es mi cuchillo".

El 26 de enero se inauguró en la Fundación Antoni Tàpies la exposición El ácido es mi cuchillo, que muestra la obra del artista barcelonés como grabador. Cerrada por el estado de alarma, la exposición ha reabierto el 12 de junio. El cuchillo era uno de sus elementos habituales con los que Tàpies trabajaba en sus piezas, pero en 1988 le comentó a Barbara Catoir, tal y como esta reflejó en su libro Conversaciones con Antoni Tàpies, que en el caso del grabado, era «cuando sumerjo la plancha de cobre en una cubeta con ácido nítrico, cuando el ácido es mi cuchillo». La exposición no es una retrospectiva de los grabados del artista –solo están los realizados entre 1988 y 1990–, pero sí muestra piezas muy potentes y transgresoras. La exposición se completa con la proyección del documental Tàpies, de 1990, donde el artista aparece realizando la plancha de Espiral i petjada.

CaixaForum (Barcelona): "Objetos de deseo. Surrealismo y diseño. 1924-2020".

El surrealismo sigue en Barcelona. La exposición inaugurada a finales de febrero y que hubo que cerrar intempestivamente por el estado de alarma, ha reabierto y prorrogado su estancia en la sede de CaixaForum en la ciudad condal hasta el 27 de septiembre, cuando se trasladará a Madrid.

La exposición reúne 285 obras de arte y objetos de diseño, a cargo de artistas y/o diseñadores como Gae Aulenti, Björk, Claude Cahun, Achille Castiglioni, Giorgio de Chirico, Le Corbusier, Salvador Dalí, Isamu Noguchi, Joan Miró o Meret Oppenheim, entre otros muchos, que ponen de manifiesto la notabilísima influencia del estilo artístico surgido en el París de hace un siglo hasta llegar al día de hoy. La muestra es una creación del museo Vitra de diseño, y llega a Barcelona enriquecida por una pieza de Dalí procedente de su museo en Figueras y un Miró de la propia colección de La Caixa.

¿Cómo no ver relación entre Rueda de bicicleta, el primer ready made de Duchamp, con la Mesa Tour de Gae Aulenti? ¿O entre el sofá Devalle que el diseñador Carlo Mollino realizó para la casa Devalle en 1939, tan sólo un año después de que Dalí creara su sofá Labios, inspirado en Mae West…? Son muchas las sorpresas que aguardan al visitante que se acerque a los pies de la montaña de Montjuich.

Bombas Gens (Valencia): "Inma Femenía. Infraleve".

Bombas Gens volvió a abrir sus puertas el pasado sábado 30 de mayo con las exposiciones que ya estaban en marcha cuando se desató la pandemia, Hiperespacios –una reflexión sobre la arquitectura presente en el origen de numerosas obras de arte que construyen espacios, con una serie de obras de la Colección Per Amor a l’Art– y Botánicas –la representación de plantas o formas vegetales ha sido una constante dentro de la historia de la fotografía y la exposición cuenta con una selección de obras de la colección Per Amor a l’Art–.

A estas se suma otra exposición, Infraleve, resultado de la investigación de Inma Femenía en torno a la percepción determinada por los medios digitales y la experiencia resultante sobre la realidad física, que remite al concepto de lo «infraleve» de Marcel Duchamp: momentos relacionados con el cuerpo físico y el espacio, extraídos de la levedad de la vida cotidiana y en los que se hallaría la verdadera esencia del arte. Momentos como el calor de un asiento que se acaba de dejar, el sonido del roce de los pantalones al caminar, las caricias, un dibujo hecho con vapor de agua o con el aliento sobre una superficie pulida, espejo o vidrio. En este proyecto Femenía presenta una serie de piezas creadas específicamente para el espacio de Bombas Gens Centre d’Art, junto con otras pertenecientes a la Colección Per Amor a l’Art.

Palacio de Velázquez del MNCARS (Madrid): "Mario Merz. El tiempo es mudo".

La sede del MNCARS en el Palacio de Velázquez del parque del Retiro es el marco en el que se presenta una retrospectiva del artista italiano Mario Merz (Milán, 1925-Milán, 2003), uno de los representantes fundamentales del minimalismo italiano o arte povera, caracterizada por unos rasgos específicos como son su oposición a la sociedad posindustrial del consumo, y el uso consciente de materiales orgánicos como arcilla, ramas, cera o carbón.

La retrospectiva incluye una selección de más de cincuenta piezas que resumen una trayectoria que comenzó en la década de los cincuenta y llega hasta finales del siglo XX, procedentes tanto de la Fundación que lleva el nombre de artista y que hoy dirige su hija Beatrice, como de otros museos como la Tate Modern, el Centro Pompidou de París, el Kuntsmuseum de Wolsburgo y varios coleccionistas particulares.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid): "Joan Jonas. Moving Off the Land II".

El comienzo del estado de alarma coincidió con la inauguración en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de la exposición Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, formada por un total de ochenta pinturas, dieciséis grabados y una plancha de grabado, algunos nunca antes vistos en Europa, a cargo de artistas como Rembrandt (del que se muestran treinta y nueve retratos) y Adriaen Key, los hermanos Pieter y Aert Pietersz, Cornelis Ketel, Frans Badens, Cornelis van der Voort, Pieter Isaacsz, Thomas de Keyser, Micheil van Mierevelt, Werner van den Valckert, Claes Myaert o Jan Tengnagel, retratistas todos ellos de la pujante sociedad burguesa neerlandesa del siglo XVII.

Muy distinta es la exposición Joan Jonas: Moving Off the Land II, que documenta los tres años de investigación en acuarios de todo el mundo y en aguas de Jamaica de la artista neoyorquina.

El origen de la exposición es una performance anterior de Joan Jonas (Nueva York, 1936), Moving Off the Land. Oceans – Sketches and Notes, que le fue encargada en 2016 por la fundación TBA21-Academy que dirige Francesca Thyssen –hija del barón Thyssen y su tercera mujer, Fiona Campbell– buceadora y activista medioambiental preocupada especialmente por la salud de los océanos, después de haber visto morir los arrecifes de coral de Jamaica, donde veraneaba desde niña.

Museo Vostell (Malpartida de Cáceres).

El Museo Vostell Malpartida (MVM) es un museo absolutamente insólito. Se trata del empeño personal del artista conceptual alemán Wolf Vostell, pionero, junto con Nam June Paik, del videoarte, y uno de los miembros más activos del grupo de arte neodadaísta Fluxus. Casado desde 1958 con Mercedes Guardado, una extremeña oriunda de Malpartida de Cáceres, vivía entre Berlín y el Palacio de Topete, en Malpartida de Cáceres, que se encuentra a quince kilómetros de Cáceres, y allí fundó en 1976 el museo que lleva su nombre, en unos antiguos lavaderos de lana situados en el paraje natural conocido como Los Barruecos. El museo cuenta con tres colecciones: la personal de Vostell, la colección Fluxus y una tercera colección de arte conceptual, lo que le convierte en un centro internacional imprescindible para conocer el arte de los años sesenta y setenta del siglo pasado. En el exterior se encuentra VOAEX Viaje de (H)ormigón por la Alta Extremadura: en uno de sus viajes en coche de Berlín a Malpartida de Cáceres decidió inmovibilizar con cemento el Opel con el que viajaba, para simbolizar el anclaje de Vostell a esta tierra extremeña a la que amó hasta su fallecimiento en 1998.

Centro Andaluz de Arte Contemporáneo CAAC (Sevilla): "Naeem Mohaiemen. El año 1973 creó muchos problemas para los imperialistas".

Tras el cierre obligado por el estado de alarma, el CAACsevillano ha reabierto sus puertas con tres exposiciones temporales, dos de ellas inauguradas en vísperas del cierre (Naeem Mohaiemen y Desorientalismos) y una tercera, Nosotras, que se prolongarán hasta después del verano.

Desorientarismos forma parte de una línea de investigación que el CAAC lleva a cabo sobre la producción artística en el Norte de África y Oriente Próximo y está basada en Orientalismo, el conocido ensayo de Edward W. Said publicado  en 1978. Cuenta con obras de Amina Agueznay, Kamrooz Aram, Ariella Aïsha Azoulay, Aslı Çavuşoğlu, Gülsün Karamustafa, Jumana Manna, Asunción Molinos Gordo y Teresa Solar. Nosotras, por su parte, reúne a una serie de mujeres artistas de diferentes estéticas y disciplinas con obras de Lara Almarcegui, María Cañas, Ruth Rwan, Guerrilla Girls, Gloria Martín, Angela Melitopoulos, Marta Inés Minujín, Inmaculada Salinas, Leonor Serrano, Annika Ström y Carrie Mae Weems.

La muestra Naeem Mohaiemen. El año 1973 creó muchos problemas para los imperialistas reúne piezas e instalaciones audiovisuales, así como dibujos y fotografías fechados entre 2010 y 2019, realizadas por el artista bangladesí Naeem Mohaiemen (aunque nacido en Londres en 1969), cuya obra hurga en la herida colonial. Fue, también, una de las figuras destacadas de documenta 14, celebrada conjuntamente en Kassel y Atenas en 2017.

CAC (Málaga): "The Walking Ceiling de Alicia Framis".

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga reabrió sus puertas el 26 de mayo. Cuatro días antes se había producido la inauguración virtual, a través de las redes sociales, de la exposición Opus nigrum del artista Girbent. Poco después, el viernes 29, se inauguró Aquíalolejos, retrospectiva del artista Juan F. Lacomba. Pero la principal sorpresa del museo malagueño es la obra The walking ceiling (2018), una performance recogida en vídeo, de la artista barcelonesa Alicia Framis, que podrá verse en el Espacio 5 hasta el 19 de julio. The walking ceiling muestra a un grupo de mujeres vestidas de manera formal con atuendo laboral que caminan al compás portando una lámina de cristal sobre sus cabezas en una manifestación silenciosa, como si se tratase de un paso procesional, y hace reflexionar sobre ese invisible techo de cristal social, laboral y político que siguen soportando las mujeres en nuestros días.

Centro Pompidou (Málaga): "De Miró a Barceló. Un siglo de arte español".

Inaugurada el pasado mes de marzo, no hay peligro de perderse la exposición del Centro Pompidou de Málaga De Miró a Barceló. Un siglo de arte español: estará abierta hasta noviembre de 2021 y ofrece una amplísima panorámica de lo que se engloba históricamente en su título: cubismo, surrealismo, figuración, abstracción, pintura, escultura, cine, vídeo…, gracias a los fondos de la colección del Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de Francia. En toda la historia del arte de los siglos XX y XXI no hay un periodo ni un ámbito que no haya estado presidido por los artistas españoles, empezando por Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí y Luis Buñuel, precursores de nuevas formas de ver y de crear, con un legado que aún pervive. El recorrido llega, entre otros, hasta Tàpies, Cristina Iglesias, La Ribot o Miquel Barceló.

Y para quien no lo conozca, solamente visitar el espacio que alberga el museo ya vale la pena. Conocido como El Cubo, fue diseñado por los arquitectos Javier Pérez de la Fuente y Juan Antonio Marín Malavé y fue intervenido por el artista conceptual francés Daniel Buren con su instalación Incubé.

MUSAC (León): "Cinco itinerarios con un punto de vista. Colección MUSAC".

Cinco itinerarios con un punto de vista, se inauguró el 25 de enero pasado y se concibió como un autohomenaje con motivo del décimo quinto aniversario del MUSAC, el fabuloso museo creado por el estudio madrileño de arquitectura Mansilla + Tuñón Arquitectos. La exposición está formada por cinco itinerarios que se corresponden con cinco temas que han guiado, entre otros, el incremento de la colección y la programación del museo desde 2013, al hacerse cargo de su dirección Manuel Olveira. A través de los temas tratados, la muestra pretende hacer hincapié en uno de los mayores activos del museo: una extensa colección que cuenta con más de mil obras de 426 artistas nacionales y extranjeros, a la que se unen las 291 obras de la Colección de Arte Contemporáneo de la Junta de Castilla y León, depositada en el museo, y una gran selección de libros de artista y ediciones especiales provenientes de la colección del Centro de Documentación del MUSAC.

MARCO (Vigo): "Yolanda Herranz… No, aún no…".

Inaugurada el 6 de marzo, la exposición de la artista y catedrática de escultura en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra iba a finalizar en junio, pero tras la reapertura del museo de arte contemporáno de Vigo se ha ampliado hasta el 20 de septiembre. La muestra de la vizcaina Yolanda Herranz (Baracaldo, 1957) se compone de obras, fundamentalmente esculturas, creadas desde 2005 y gira en torno a dos preocupaciones de la artista, el feminismo y el tiempo. Sin embargo, la parte más emotiva de la exposición está formada por su serie de autorretratos El arte sana/el arte cura: once fotografías generadas con la cámara de su ordenador que describen su momento de máximo sufrimiento: el fallecimiento de su madre. Cada uno va acompañado de breves frases, a modo de explicación: «Somos el destello de una mirada», «Somos un pensamiento fugaz», «Somos una deuda pendiente» o «Somos polvo en el viento», entre otras.

IVAM (Valencia): "Jorge Peris. Dark Man a lomos del Pájaro de Fuego".

Cuando se desató el estado de alarma, el Instituto Valenciano de Arte Moderno acababa de inaugurar la exposición Orientalismos: la construcción del imaginario de Oriente Próximo y el Norte de África (1800-1956). Otras dos exposiciones estaban previstas; una en abril, El retrovisor –subtitulada El IVAM se mira al espejo: periodistas, críticos de arte y artistas toman la palabra– y otra en mayo: Jorge Peris. Dark Man a lomos del Pájaro de fuego. Esta última forma parte de su programa El IVAM produce, en el que se cede el espacio de la Galería 6 del museo valenciano para que un artista lo intervenga.

El valenciano Jorge Peris (Alcira, 1969) ha creado un proyecto específico en el que regresa, real y metafóricamente, a la ciudad donde inició su formación artística, Valencia, hace treinta años. En su exposición ha creado una instalación formada por cinco grandes esculturas creadas por la manipulación de mobiliario antiguo, algunas procedentes del Bucarest modernista de principios del siglo XX, cuando a la capital rumana se la conocía como la pequeña París, y otras encontradas en la propia Valencia o en la isla situada en medio de la Albufera de El Palmar, donde el artista tiene su taller.

Es Baluard (Palma de Mallorca): "Martha Rosler. ¿Cómo llegamos allí desde aquí?".

El 2 de junio reabrió sus puertas Es Baluard, el museo diseñado en Palma de Mallorca en 2003 por Lluís García-Ruiz, Jaume García-Ruiz, Vicente Tomás y Angel Sánchez Cantalejo, en lo que fue un baluarte defensivo de época renacentista.

Y reabrió prolongando las exposiciones que ya se habían inaugurado en enero y febrero pasados: Ana Vieira. El hogar y la huida; Marina Planas. Enfoques bélicos del turismo: todo incluido; Colección. De la Posguerra a la contemporaneidad y Martha Rosler. ¿Cómo llegamos allí desde aquí?

La exposición de la estadounidense Martha Rosler (Nueva York, 1943) muestra, hasta el 30 de agosto, el trabajo de una de las pioneras del videoarte, medio que emplea, igual que la fotografía, la escultura o la performance, para mostrar sus preocupaciones sociales y políticas (la comunicación, la guerra, la arquitectura y el entorno), centradas en su propia vida diaria y la experiencia de las mujeres en la esfera pública.

TEA Tenerife Espacio de las Artes (Santa Cruz de Tenerife): "Ese otro mundo, el siglo XX en las colecciones TEA".

El TEA, Tenerife Espacio de las Artes, es el principal museo y centro de arte contemporáneo de la isla canaria. Inaugurado el 31 de octubre de 2008, el inmueble, de 20.622 metros cuadrados, fue diseñado por el estudio de arquitectos suizos Herzog & de Meuron y es sede también del Centro de Fotografía Isla de Tenerife y la Biblioteca Municipal Central.

El museo reabrió sus puertas el 15 de mayo con la inauguración de una exposición que recorre parte de las piezas más significativas de la colección del TEA, que cuenta con más de dos mil obras de arte. Aunque su núcleo fundacional es la colección del artista surrealista canario Óscar Domínguez, el museo está dotado con una amplia representación de obra de artistas no solo canarios o españoles, sino también extranjeros. En la muestra se pueden apreciar piezas de Martín Chirino, Esther Ferrer, Andy Warhol, Diane Arbus, Robert Frank, Evelyn Hofer, Cristina Iglesias, José Luis Medina Mesa, Lola Massieu, Ulrich Rückriem, María Belén Morales, Dorothea Lange, Gonzalo González, Eduardo Westerdahl, Plácido Fleitas, Margaret Watkins, Josep Guinovart, Hector Hyppolite, Juan Ismael, Nieves Lugo, William Eggleston, André Kertész, René Magritte, Man Ray, Aurelia Muñoz, César Moro, Adrián Alemán, Jorge Oramas, August Sander, Eusebio Sempere, Miriam Durango, Nan Goldin, Alfred Stieglitz, José Guerrero, Carlos Chevilly, Luis Tomasello, Jeff Wall, Ernesto Valcárcel, José Julio Rodríguez, Francesc Catalá-Roca, Walter Marchetti o Hilla y Bernd Becker.

Algunas de las piezas que se muestran en la exposición –como un fotocollage en el que aparecen Benjamin Péret, Eduardo Westerdahl y su galgo, de Eduardo Westerdahl o un textil de Aurelia Muñoz– se muestran al público por primera vez. También se han incluido dos obras ajenas a la colección del museo y al siglo XX: un biombo del siglo XVIII perteneciente a la Orden Dominica de La Laguna y Socius 05 (2009), de Adrián Alemán, piezas que se presentan al inicio y al final de la exposición, respectivamente a modo de prólogo y epílogo para invitar a la reflexión sobre el sentido de una colección.